La Quinta Disminuida q6r5n

Cuando Miles Davis y Gil Evans se sentaron a soñar juntos, el jazz dejó de ser sólo bronce y piel: se volvió paisaje. De sus colaboraciones brotaron océanos orquestales donde el timbre respiraba y el silencio pesaba tanto como la nota. Miles Ahead, Porgy and Bess, Sketches of Spain: en esos discos, el viento sopla desde otras tierras, y la trompeta de Miles navega, solitaria y luminosa, en mares que Gil supo pintar con una paleta infinita. Fue un diálogo entre el instinto y el diseño, entre el humo del club y la arquitectura del sonido. Y el jazz, que hasta entonces se había contado en pequeñas formaciones, aprendió que también podía volar en alas sinfónicas sin perder el alma.

Cuando Miles Davis y Gil Evans se sentaron a soñar juntos, el jazz dejó de ser sólo bronce y piel: se volvió paisaje. De sus colaboraciones brotaron océanos orquestales donde el timbre respiraba y el silencio pesaba tanto como la nota. Miles Ahead, Porgy and Bess, Sketches of Spain: en esos discos, el viento sopla desde otras tierras, y la trompeta de Miles navega, solitaria y luminosa, en mares que Gil supo pintar con una paleta infinita. Fue un diálogo entre el instinto y el diseño, entre el humo del club y la arquitectura del sonido. Y el jazz, que hasta entonces se había contado en pequeñas formaciones, aprendió que también podía volar en alas sinfónicas sin perder el alma.

"Madres en el Jazz" es una serie de entrevistas iniciada por la vocalista Nicky Schrire. Esta iniciativa busca crear un recurso en línea para músicos de jazz que trabajan y tienen hijos, aquellos que están considerando la paternidad y figuras de la industria del jazz que trabajan con músicos que son padres. Las entrevistas con músicas en esta serie ofrecen valiosos consejos emocionales, filosóficos y logísticos que son accesibles para todos. "Madres en el Jazz" destaca el papel específico de ser madre y músico de jazz. Las reflexiones de las músicas entrevistadas ofrecen información emocional, filosófica y logística valiosa y accesible. “Mothers In Jazz” arroja luz sobre el papel tan específico de ser madre y artista activa del jazz. En total son cien entrevistas de las cuales seleccioné ocho para compartir con ustedes en esta sesión. https://ukjazznews.com

"Madres en el Jazz" es una serie de entrevistas iniciada por la vocalista Nicky Schrire. Esta iniciativa busca crear un recurso en línea para músicos de jazz que trabajan y tienen hijos, aquellos que están considerando la paternidad y figuras de la industria del jazz que trabajan con músicos que son padres. Las entrevistas con músicas en esta serie ofrecen valiosos consejos emocionales, filosóficos y logísticos que son accesibles para todos. "Madres en el Jazz" destaca el papel específico de ser madre y músico de jazz. Las reflexiones de las músicas entrevistadas ofrecen información emocional, filosófica y logística valiosa y accesible. “Mothers In Jazz” arroja luz sobre el papel tan específico de ser madre y artista activa del jazz. En total son cien entrevistas de las cuales seleccioné ocho para compartir con ustedes en esta sesión. https://ukjazznews.com

Stan Getz no fue sólo un maestro del sonido, fue un arquitecto del silencio, un poeta del susurro. Su muerte no fue un cierre, fue un acorde suspendido. Porque quien toca de ese modo no se va del todo. Quien toca así sigue regresando cada vez que suena una nota suya. Y en ese último aliento bautizado como “People Time” eterno que es la memoria, Stan Getz sigue conversando con nosotros. El cuerpo de Stan Getz se apagó en Malibú el 6 de junio de 1991. Pero no murió como mueren los hombres comunes. Murió como mueren los músicos verdaderos: con su instrumento aún tibio, con el eco de su voz flotando en el aire. Murió habiendo dicho todo lo que tenía que decir, y diciéndolo bien, sin miedo, sin orgullo, con amor.

Stan Getz no fue sólo un maestro del sonido, fue un arquitecto del silencio, un poeta del susurro. Su muerte no fue un cierre, fue un acorde suspendido. Porque quien toca de ese modo no se va del todo. Quien toca así sigue regresando cada vez que suena una nota suya. Y en ese último aliento bautizado como “People Time” eterno que es la memoria, Stan Getz sigue conversando con nosotros. El cuerpo de Stan Getz se apagó en Malibú el 6 de junio de 1991. Pero no murió como mueren los hombres comunes. Murió como mueren los músicos verdaderos: con su instrumento aún tibio, con el eco de su voz flotando en el aire. Murió habiendo dicho todo lo que tenía que decir, y diciéndolo bien, sin miedo, sin orgullo, con amor.

En el universo de la música, hay artistas que brillan con luz propia, dejando una huella imborrable en el panorama musical. Patrice Rushen es una de esas estrellas, una pianista, cantante, compositora y productora estadounidense que ha iluminado el camino del jazz y el pop con su talento y versatilidad. Con una carrera que abarca cinco décadas, Rushen ha demostrado su capacidad para fusionar géneros y estilos, creando una música que es a la vez sofisticada y accesible. Comenzó su carrera en el jazz, tocando con artistas como Joe Henderson y demostrando su habilidad técnica y su capacidad para improvisar. Su pasión por el jazz la llevó a crear música que era a la vez innovadora y auténtica, ganándose el respeto de la crítica y el público. La importancia de Patrice Rushen radica en su capacidad para trascender los géneros y llegar a un público más amplio. Su música es un testimonio de su talento y su dedicación, y su legado continúa inspirando a generaciones de músicos y amantes de la música. Con su estilo único y su pasión por la música, Rushen ha dejado una marca indeleble en el mundo del jazz y el pop.

En el universo de la música, hay artistas que brillan con luz propia, dejando una huella imborrable en el panorama musical. Patrice Rushen es una de esas estrellas, una pianista, cantante, compositora y productora estadounidense que ha iluminado el camino del jazz y el pop con su talento y versatilidad. Con una carrera que abarca cinco décadas, Rushen ha demostrado su capacidad para fusionar géneros y estilos, creando una música que es a la vez sofisticada y accesible. Comenzó su carrera en el jazz, tocando con artistas como Joe Henderson y demostrando su habilidad técnica y su capacidad para improvisar. Su pasión por el jazz la llevó a crear música que era a la vez innovadora y auténtica, ganándose el respeto de la crítica y el público. La importancia de Patrice Rushen radica en su capacidad para trascender los géneros y llegar a un público más amplio. Su música es un testimonio de su talento y su dedicación, y su legado continúa inspirando a generaciones de músicos y amantes de la música. Con su estilo único y su pasión por la música, Rushen ha dejado una marca indeleble en el mundo del jazz y el pop.

Para la sesión de hoy he seleccionado a veinte pianistas que tienen dentro de su discografía obras de piano solo en el jazz. Seguramente que faltan muchos, pero ninguno sobra.

Para la sesión de hoy he seleccionado a veinte pianistas que tienen dentro de su discografía obras de piano solo en el jazz. Seguramente que faltan muchos, pero ninguno sobra.

Dentro del ciclo de programas que he dedicado a los músicos que fueron parte de las bandas de Miles Davis, el anterior programa abordamos a los bateristas y para esta sesión, con la misma dinámica, escucharemos a los pianistas de Miles.

Dentro del ciclo de programas que he dedicado a los músicos que fueron parte de las bandas de Miles Davis, el anterior programa abordamos a los bateristas y para esta sesión, con la misma dinámica, escucharemos a los pianistas de Miles.

Para esta sesión he preparado un programa en el que escucharemos a los bateristas de Miles Davis. Mi selección abarco seis de ellos, que, desde mi punto de vista fueron los representativos y trascendentales en las propuestas jazzísticas que Miles conceptualizó.

Para esta sesión he preparado un programa en el que escucharemos a los bateristas de Miles Davis. Mi selección abarco seis de ellos, que, desde mi punto de vista fueron los representativos y trascendentales en las propuestas jazzísticas que Miles conceptualizó.

Esa noche, había entrado al local un hombre de avanzada edad. Algunos lo reconocieron e hicieron correr la voz. Las miradas se apartaron del escenario para centrarse con fascinación en el más insigne espectador de la noche: aquel hombre era Igor Stravinsky. Nadie daba crédito, porque la presencia en la noctámbula vanguardia de un compositor sinfónico mundialmente famoso constituía una visión inconcebible. A sus sesenta y ocho años Stravinsky era mucho más que una leyenda: era una de las principales instituciones musicales vivas. Mientras el ruso tomaba asiento y pedía una bebida, los teloneros finalizaron su repertorio y se retiraron. Los espectadores no dejaban de mirar hacia su mesa, incrédulos…(Emilio de Gorgot - Jotdown)

Esa noche, había entrado al local un hombre de avanzada edad. Algunos lo reconocieron e hicieron correr la voz. Las miradas se apartaron del escenario para centrarse con fascinación en el más insigne espectador de la noche: aquel hombre era Igor Stravinsky. Nadie daba crédito, porque la presencia en la noctámbula vanguardia de un compositor sinfónico mundialmente famoso constituía una visión inconcebible. A sus sesenta y ocho años Stravinsky era mucho más que una leyenda: era una de las principales instituciones musicales vivas. Mientras el ruso tomaba asiento y pedía una bebida, los teloneros finalizaron su repertorio y se retiraron. Los espectadores no dejaban de mirar hacia su mesa, incrédulos…(Emilio de Gorgot - Jotdown)

Un miércoles 9 de diciembre de 1964, el saxofonista John Coltrane, el bajista Jimmy Garrison, el pianista McCoy Tyner y el baterista Elvin Jones se reunieron en Van Gelder Studios, en Englewood Cliffs, Nueva Jersey. Aquella sesión de un solo día se convirtió en una pieza fundamental de la historia de la música que se publicaría en 1965: A Love Supreme Seis décadas después “A Love Supreme” es ampliamente considerado como uno de los álbumes más importantes jamás grabados. “A Love Supreme” tiene todos los reconocimientos: menciones constantes en listas de los mejores álbumes, preservación tanto en el Smithsonian como en el Registro Nacional de Grabaciones, y ventas de platino en los Estados Unidos. Sin embargo, el verdadero impacto del álbum es su enorme influencia en toda la música (no solo en el jazz) y en la gran cantidad de músicos que dedicaron un álbum completo en su discografía a esta obra maestra.

Un miércoles 9 de diciembre de 1964, el saxofonista John Coltrane, el bajista Jimmy Garrison, el pianista McCoy Tyner y el baterista Elvin Jones se reunieron en Van Gelder Studios, en Englewood Cliffs, Nueva Jersey. Aquella sesión de un solo día se convirtió en una pieza fundamental de la historia de la música que se publicaría en 1965: A Love Supreme Seis décadas después “A Love Supreme” es ampliamente considerado como uno de los álbumes más importantes jamás grabados. “A Love Supreme” tiene todos los reconocimientos: menciones constantes en listas de los mejores álbumes, preservación tanto en el Smithsonian como en el Registro Nacional de Grabaciones, y ventas de platino en los Estados Unidos. Sin embargo, el verdadero impacto del álbum es su enorme influencia en toda la música (no solo en el jazz) y en la gran cantidad de músicos que dedicaron un álbum completo en su discografía a esta obra maestra.

El piano ha sido desde las primeros años del siglo XX, un elemento integral en el jazz, tanto en sus interpretaciones como solista, como su participación en distintos conjuntos. Desde Scott Joplin y su ragtime, a Jelly Roll Morton, pasando por otros grandes pianistas del primer jazz como James P.Johnson, Fats Waller, o Mary Lou Wlliams, a genios del Bebop como Thelonious Monk, del jazz fusión como Chick Corea, o a intérpretes actuales como Carla Bley , Hiromi Uehara o Brad Mehldau, la historia de este género musical siempre ha estado ligado a este instrumento. Con el paso de los años, al piano clásico se le han ido sumando otros teclados. Tal y como hicimos en nuestro artículo dedicado al mundo de los saxos, hoy nos introducimos en esos otros teclados, órganos y pianos que puedes ver y escuchar en un concierto de jazz: Órgano Hammond, Piano Rhodes y Sintetizador Moog. Rudy De Juana (https://www.caravanjazz.es/)

El piano ha sido desde las primeros años del siglo XX, un elemento integral en el jazz, tanto en sus interpretaciones como solista, como su participación en distintos conjuntos. Desde Scott Joplin y su ragtime, a Jelly Roll Morton, pasando por otros grandes pianistas del primer jazz como James P.Johnson, Fats Waller, o Mary Lou Wlliams, a genios del Bebop como Thelonious Monk, del jazz fusión como Chick Corea, o a intérpretes actuales como Carla Bley , Hiromi Uehara o Brad Mehldau, la historia de este género musical siempre ha estado ligado a este instrumento. Con el paso de los años, al piano clásico se le han ido sumando otros teclados. Tal y como hicimos en nuestro artículo dedicado al mundo de los saxos, hoy nos introducimos en esos otros teclados, órganos y pianos que puedes ver y escuchar en un concierto de jazz: Órgano Hammond, Piano Rhodes y Sintetizador Moog. Rudy de Juana (https://www.caravanjazz.es/)